'The Iceman Cometh'

(Ji dong ji xia. Clarence Fok. Hong Kong. 1989. 114 minutos) Ver pelear a Yuen Biao siempre es un bálsamo para la vista. Si, además, lo hace contra alguien tan preparado como Yuen Wah, el resultado sólo puede convertirse en una de las cimas de la elegancia, la ferocidad y las capacidades acrobáticas de las artes marciales. Esto es lo que sucede en The Iceman Cometh, película de Clarence Fok en la que Yuen Biao interpreta a Fong Sau-Ching, un guardia real de la Dinastía Ming que tiene la misión de atrapar a Fung San (Yuen Wah), un despiadado asesino que estudió con Fong pero que se dejó llevar por los vicios, el poder y la violencia. Durante una pelea, ambos quedan atrapados en un bloque de hielo que no será hallado hasta varios siglos después, en el Hong Kong de 1989. Una vez reanimados, los dos guerreros continuarán su lucha en una época que desconocen, al tiempo que entra en la ecuación una prostituta llamada Polla (Maggie Cheung), que es prostituta y... y se llama Polla... y es prostituta y se llama Polla... en fin, ¿qué culpa tienen los guionistas? Si están pensando en lo mucho que se parece al  argumento de la posterior Demolition Man (Marco Brambilla, 1993), están acertando. Si al leer esto se han acordado también de la coetánea Warlock, el brujo (Warlock. Steve Miner, 1989) y de la anterior Los Inmortales (Highlander. Russell Mulcahy, 1986), siguen estando en lo cierto: The Iceman Cometh toma prestadas algunas ideas y anticipa otras de ellas, pero les gana por goleada en lo que más le interesa, que no es otra cosa que la acción. 

LO MEJOR: Evidentemente, las escenas de acción.
LO PEOR: La bobalicona subtrama romántica.

Y es que, sin despreciar los valores de Demolition Man, Warlock y Los Inmortales (todas ellas recomendables y necesarias), ningún efecto especial puede competir con las proezas de Yuen Biao y Yuen Wah, también coreógrafos de las escenas de acción junto con los veteranísimos Yuen Tak y Chin Kar Lok (el hombre que se escondía detrás de algunos de los stunts de Jackie Chan, así que olvídense de una vez por todas de la cantinela de que el bueno de Jackie no usaba dobles). El problema es que en casi dos horas de metraje son pocos los enfrentamientos entre ambos, y lo que hay entre medias no es precisamente memorable: después del prólogo, Yuen Biao comienza a protagonizar una comedia romántica con Maggie Cheung en la que el director no evita los socorridos (y manidos) chistes a costa del viajero del tiempo (lavarse la cara en la taza del wc, pensar que lo que emite la televisión está ocurriendo de verdad, temer a los automóviles como si fuesen monstruos diabólicos, etc.) hasta que, por fin, recuerda que tenía un enemigo que probablemente esté por ahí haciendo de las suyas y es entonces cuando decide seguirle el rastro. Toda esta parte central hace que el conjunto quede bastante deslucido, pero lo demás (las secuencias de acción y  los efectos especiales de la vieja escuela, pintados a mano sobre los propios fotogramas) es para levantarse del sillón y aplaudir. De ahí que el visionado de The Iceman Cometh transcurra entre el bochorno y el asombro, pero, si son fans del cine de Hong Kong y no la han visto, no deberían perdérsela por nada del mundo.

Nota: Esta vez no he localizado el tráiler, así que les dejo un vídeo donde pueden ver la pelea final entre estos dos titanes. Y, repito, es el final, así que vean el vídeo bajo su responsabilidad.

'Kárate a muerte en Bangkok'

(The Big Boss / Tang shan da xiong. Conocida en EEUU como 'Fists of Fury'. Lo Wei. Hong Kong. 1971. 100 minutos) El fanatismo ejerce una peligrosa influencia sobre la consideración que algunas películas obtienen con el paso del tiempo, hasta tal punto que, debido a la exaltada admiración que algunos profieren por determinadas estrellas del celuloide, se llegan a mitificar cintas cuyas verdaderas cualidades están lejos de ser tan remarcables como cabría suponer (y sé de lo que hablo: soy fan de Van Damme). Es el caso de Kárate a muerte en Bangkok, la cual arrastra una fortísima carga icónica ya desde su mismo título (por mucho que sea erróneo utilizar la palabra "Kárate" cuando se tendría que hablar de "Kung Fu"...), además de ser justamente célebre por suponer el primer título que Bruce Lee protagonizó de adulto en el seno de la industria cinematográfica de Hong Kong y, para colmo, su primera película de artes marciales, tras haberse granjeado cierta fama como luchador y actor en diversas apariciones televisivas en los Estados Unidos. En una jugada que le salió redonda, Bruce Lee rechazó el contrato draconiano que le ofrecían en la Shaw Brothers y se lo jugó todo aceptando la propuesta de Raymond Chow, un productor independiente que había formado parte de la Shaw y que andaba detrás de un gran éxito que terminara de lanzar su flamante compañía, la luego esencial Golden Harvest. Es fácil adivinar qué atrajo a Bruce de dicho acuerdo: la posibilidad de tener cierta libertad creativa, de mostrar las artes marciales de un modo realista y de figurar por fin como el nombre más importante del reparto (pese a que, en un inicio, antes de que el director Ng Gar Seung fuera reemplazado en su labor por Lo Wei, el protagonista iba a ser James Tien, quien con el cambio de rumbo del proyecto perdió importancia en favor de Lee). El argumento se aleja de las aventuras dinásticas tan de moda por aquella época, para presentar una historia contemporánea ambientada en Tailandia en la que Cheng Chao-an (Lee), un emigrante chino que ha recalado allí para trabajar en una fábrica de hielo, debe enfrentarse a una trama de tráfico de drogas y asesinatos. La excusa perfecta para que el actor se líe a mamporros a la mínima ocasión. Aunque, como veremos, esto no fue exactamente así.

LO MEJOR: El instante en el que, por fin, Bruce comienza a pelear.
LO PEOR: La precariedad de todos los elementos artísticos y
técnicos de la película, incluso para los estándares del cine de Hong
Kong de los años 70.

Vista hoy, con todo lo que la figura de Bruce Lee supone para un género, el del cine de artes marciales, que él se encargó de popularizar internacionalmente, puede sorprender el hecho de que su personaje se pase la primera mitad de la película sin luchar: Cheng Chao-an ha prometido a su madre que no se meterá en peleas. Para tenerlo siempre presente, lleva un colgante de jade en el cuello que le recuerda que debe mantener su palabra (hasta que le rompen el collar y... pasa lo que pasa). Se puede decir que esto crea cierta inquietud, ya que lastra el arranque de la acción y, teniendo en cuenta lo escueto del argumento, no hay demasiado interés en los primeros minutos del largometraje más allá de intentar adivinar en qué momento comenzarán las hostias. Sin embargo, viendo este detalle en perspectiva, es fácil adivinar lo que este hecho supuso para los espectadores de la época, especialmente para quienes todavía no conocían la faceta de Lee como luchador (recordemos que, aunque comenzó su carrera como actor en Hong Kong cuando apenas era un niño, nunca antes había filmado un largometraje de acción). Básicamente, el protagonista se pasa la primera mitad del metraje conteniéndose, apretando los dientes para no rebelarse ante las injusticias que presencia y poniendo la otra mejilla. Por ello, cuando por fin comienza a luchar, y de esa manera en la que no se había visto antes en pantalla, el espectador queda atónito, libera la tensión que había acumulado con el personaje y celebra cada patada con una mezcla de alivio y excitación. Fue en ese preciso instante cuando Bruce Lee hizo historia. Y es que Kárate a muerte en Bangkok no es sólo importante por ser la carta de presentación del actor como héroe de acción, sino también por suponer una ruptura con respecto al modo en el que se venían filmando las artes marciales hasta entonces. Era habitual que los protagonistas de las cintas de la Shaw Brothers u otras productoras fuesen antes actores que luchadores, debido a que la planificación de los combates, su fragmentación, permitía esconder las carencias marciales de los mismos. Sin embargo, a partir de Kárate a muerte en Bangkok se dejó menos espacio a los trucos de cámara y se exigieron combates más realistas y, a la postre, espectaculares (porque, aunque parezca una contradicción, resulta más hipnótico ver en plano fijo a dos luchadores auténticos que asistir a un desfile de planos trucados con cables y efectos especiales). Bruce todavía no tenía el peso en la industria de Hong Kong que obtuvo tras romper records de taquilla con este film, de ahí que tuviera que ceder a algunas exageraciones muy del gusto de Lo Wei (algunos saltos imposibles, principalmente), pero su manera de actuar, de luchar, de comportarse, dejaron una huella indeleble que no se ha borrado todavía, cuarenta años después del estreno de Kárate a muerte en Bangkok. Sin su presencia en la película, ésta habría sido simplemente otra más. Y, además, de las feas, ya que técnicamente es realmente pobre (por ejemplo, hay un travelling en el que la cámara choca con algo, provocando una sacudida en el plano, y ha quedado en el montaje final). Pero gracias a Bruce Lee la cinta se convirtió en un clásico y sentó las bases para la fiebre por el Kung-Fu (aunque casi todo el mundo pensara que era Kárate) que explotaría en todo el planeta durante la década de los setenta.

'House of Fury'

(Jing mo gaa ting. Stephen Fung. Hong Kong. 2005. 102 minutos) Ya lo hemos visto otras veces y House of Fury es un ejemplo más: hay películas que empiezan de manera tan fuerte que luego es imposible que estén a la altura de sus primeros minutos. Aquí se nos muestra a Yue Siu Bo (Anthony Wong) luchando contra un puñado de ninjas de colores en un prólogo lleno de una acción brillante y tan bien coreografiada como era de esperar viniendo de Yuen Woo-Ping. Pronto descubrimos que los efectos especiales y las exageraciones de este fragmento están de algún modo justificados, ya que lo que vemos es una narración que Siu Bo hace a un grupo de chavales que le escuchan a medio camino entre la incredulidad y la fascinación. Los que no sienten ya ningún interés por las historias de Siu Bo son sus hijos, Nicky (Stephen Fung) y Natalie (Gillian Chung), hartos de escuchar relatos de su padre sobre un supuesto y emocionante pasado que tuvo como agente secreto. Como si esto fuera Spy Kids (Robert Rodriguez, 2001), los jóvenes cambian de opinión cuando su padre es secuestrado por un antiguo enemigo, Rocco (Michael Wong), y tienen que pedir ayuda a Ella (Charlene Choi, la otra mitad de las Twins junto a Chung), Jason (Daniel Wu) y el Tío Chiu (Wu Ma) para poder enfrentarse a expertos luchadores (entre ellos Jon Foo) y salvar la vida de su progenitor. Lamentablemente, como decía, el arranque de la cinta tiene tanta fuerza que las escenas de acción que vienen después saben (muy relativamente) a poco. 

LO MEJOR: Anthony Wong en clave heróica y tragicómica.
LO PEOR: Es demasiado blanda,  algo justificado si tenemos
en cuenta el público al que va dirigida.

Como ven, las similitudes con la primera parte de la saga de los miniespías mexicanos son más que evidentes, pero el hecho de que en Hong Kong se aprovechen de un éxito de Hollywood para hacer su propia versión nunca nos ha supuesto un problema, sino más bien diría que lo contrario, ya que si hablamos de cine de acción la ex-colonia británica supera a Estados Unidos en cuanto a espectacularidad física y complejidad coreográfica, con lo cual en ese sentido siempre van a salir ganando las versiones orientales sobre las occidentales. House of Fury también es un ejemplo de esto, y no sólo en calidad sino también en cantidad, ya que Stephen Fung (en su segundo título como director después de haber ejercido como guaperas oficial de la industria cinematográfica hongkonesa) se preocupa menos aquí por lucirse delante de las cámaras y más por ofrecer una sucesión imparable de peleas bien dirigidas y montadas. Y aprovecha cualquier ocasión para ello: una discusión por el mando a distancia entre dos hermanos acaba aquí con medio salón destrozado y unas cuantas magulladuras. La pega es que responde también al patrón de esa vertiente de cine familiar producido por Jackie Chan (que es quien está económicamente detrás de la película, junto a Willie Chan y Solon So), donde todo resulta demasiado amable, blanco y apto para todos los públicos. La mano de Jackie se nota aquí a pesar de que no participe como actor, aunque no le echamos en falta gracias al inmenso Anthony Wong, alguien más acostumbrado a interpretar personajes odiosos que héroes simpáticos, totalmente creíble aquí como experto en artes marciales y que se permite incluso hacer un afortunado homenaje humorístico a Bruce Lee y su Furia oriental (Jing wu men. Lo Wei, 1972). El largometraje sube enteros gracias a él y a Wu Ma, quien también lo da todo a pesar de su edad. Lástima que sea un trabajo tan descafeinado y que lo mejor que se pueda decir de él sea que no aburre. No obstante, si no le pongo una estrella más es porque como House of Fury hay a patadas en Hong Kong y por eso no resulta sorprendente. Aunque eso no les debería hacer pensar que dentro del género de acción no es superior a la mayoría de películas que se estrenan por estos lares.  

Especial Sitges 2010: 'Detective Dee and the Mystery of Phantom Flame'

(Di Renjie. Tsui Hark. China / Hong Kong. 2010. 122 minutos) Después de la caótica Siete espadas (Qi jian, 2005) y de varios experimentos que no llegaron a nuestro país, Tsui Hark vuelve al género con el que nos dio tantas alegrías a principios de los noventa: el swordsplay desbocado, ese cine de héroes, espadas, escenas de lucha acrobáticas y ocasionales momentos fantásticos que revitalizó la industria del cine de Hong Kong en aquella época, después del empacho de heroic bloodshed que se vivió en años previos. Pero los tiempos han cambiado y no precisamente para bien: como ya ocurría en Zu Warriors (Shu shan zheng zhuan, 2001), el virtuosismo escénico de Tsui Hark está muy por encima de su capacidad para narrar una historia de manera coherente o que resulte fácil de seguir con interés, y si esto le sentaba de maravilla a aquellas joyas que fueron Double Team (1997) y En el ojo del huracán (Knock Off, 1998), donde la locura visual formaba parte del contexto en el que se movían los personajes, no se puede decir lo mismo de Detective Dee, donde se acusa un exceso de personajes y acciones secundarias que pueden marear al espectador expulsándole de la película. Aún así, sólo nos cabe celebrar esta vuelta de Tsui Hark al puro espectáculo (a pesar del exceso de infografía regulera) y soñar con todo lo que podría hacer si volviera a encontrar un guión digerible con el que trabajar. 

LO MEJOR: El virtuosismo de Tsui Hark para la acción sigue intacto.
LO PEOR: Abusa de los efectos digitales y de la acumulación de personajes.

Especial Sitges 2010: 'Les nuits rouges du bourreau de jade'

(Les nuits rouges du bourreau de jade. Julien Carbon, Laurent Courtiaud. Hong Kong, Francia. 2010. 97 minutos) Sobre el papel, Red Nights (abreviaremos utilizando su título en inglés) se presentaba como una de las películas más apetecibles de Sitges 2010: el debut en la dirección de los guionistas de Running out of time (Johnnie To, 1999), Black Mask 2 (Tsui Hark, 2002) o El secreto del talismán (Peter Pau, 2002), vendido como un homenaje al Giallo italiano y a la Categoría III de Hong Kong (ahí está Carrie Ng para dar fuerza a esa idea), prometía ser uno de los platos fuertes del certamen en términos de diversión y homenajes cinéfagos. Sin embargo, el resultado no podría ser más desalentador. Después de un prólogo estupendo que nos predispone a disfrutar a lo loco, Red Nights entra en un estadio de pedantería y aburrimiento del que sólo podemos escapar en momentos aislados (la secuencia con el rifle de francotirador) y en el, este sí, apreciable clímax final. No basta con plagiar uno de los momentos más dolorosos de Rojo Oscuro (Dario Argento, 1975) o jugar con la paleta cromática para evocar al cine de terror italiano, del mismo modo que tener a Carrie Ng en el reparto protagonizando algunas escenas de sadismo, amén de un par de tiroteos, no es suficiente para llevarnos al cine comercial más extremo que se filmaba en Hong Kong durante la década de 1990. Sus puntuales momentos de lucidez no resultan suficientes para salvar de la quema este título fallido que sólo podría perdurar por la fuerza de algunas de sus imágenes. 

LO MEJOR: Su estética.
LO PEOR: Su languidez y su pedantería.

Especial Sitges 2010: 'Gallants'

(Da lui toi. Derek Kwok & Clement Cheng. Hong Kong. 2010. 98 minutos) Cuando preparaba los artículos con los avances de las cintas que podría ver en Sitges este año, me quedó claro que la cinta de Derek Kwok y Clement Cheng tenía grandes posibilidades de convertirse en una de mis favoritas. La intuición no me fallaba: Gallants fue una de las películas que más me hicieron disfrutar en el pasado Festival de Sitges, uno de esos casos poco habituales en los que la sala entera estallaba en carcajadas en los momentos oportunos y se respiraba un ambiente generalizado de buenas vibraciones que hizo que abandonáramos la sala con una amplia sonrisa en los labios y la sensación, creo que muy extendida entre los asistentes, de haber pasado uno de los mejores momentos que nos brindó la edición de este año. Gallants es un largometraje totalmente emocionante y divertido, lleno de gags físicos y detalles brillantes de guión, que sigue el patrón clásico de las comedias de kung-fu de los años 70 a las que homenajea (no sólo por la presencia de unos gigantescos Chen Kuan Tai y Bruce Leung, sino también por el estilo audiovisual que rememora el cine hongkonés de aquella época) con el aderezo de un drama crepuscular que no siempre funciona y que termina imponiéndose en los últimos minutos como protagonista. Quizá esto vaya en contra del tono ligero e hilarante del metraje previo, pero a poco que nos pille con la tarde tonta es capaz de arrancarnos alguna lágrima y eso no siempre está de más, aunque tengamos claros y veamos venir a leguas los resortes que están utilizando para llevarnos a tal estado de ñoñez. Un comentario aparte merece Teddy Robin Kwan, quien en Gallants desarrolla su papel con una capacidad de cachondeo, autoparodia, sentido de la comicidad y aptitudes dramáticas que convierten a su personaje, el Maestro Ben Law, en alguien entrañable. Para redondearlo todo, las escenas de artes marciales son de las buenas de verdad. Una pequeña joya.

LO MEJOR: Su sentido del humor y su épica de barrio.
LO PEOR: Que abuse del dramatismo en los últimos minutos.

Especial Sitges 2010: '14 Blades'

(Jin yi wei. Daniel Lee. Hong Kong / China. 2010. 108 minutos) Con cuatro películas en el Festival (Legend of the fist: The return of Chen Zhen, Ip Man 2, Bodyguards and assassins y la que nos ocupa), Donnie Yen se convirtió en una de las presencias habituales de Sitges este año. Aunque 14 Blades fuese muy probablemente la menos esperada de las tres, resultó ser todo un triunfo que nos hizo recordar por qué amábamos el cine de acción de Hong Kong: la mezcla de personajes interesantes con escenas de acción constantes y un guión ágil es lo mejor que podría ocurrirle a este humilde crítico en una solitaria tarde en El Retiro. Si bien la historia nos lleva a intrigas de palacio y conspiraciones militares que no nos tendrían que llamar demasiado la atención, Daniel Lee sabe sortear ese escollo y nos presenta una cinta vibrante y rápida, donde la mezcla de kung-fu, espadas, honor entre caballeros y humor blanco triunfa sobre el exceso de metraje y el hecho de que 14 Blades no tenga ninguna escena de acción realmente memorable. Pecata minuta, esta vez, en una película que ofrece una set-piece cada quince minutos y que funciona más que correctamente aunque sólo sea por acumulación. Además, el final es de los que emocionan.

LO MEJOR: Su afortunada mezcla de humor y acción.
LO PEOR: Le falta alguna secuencia de acción a retener en la memoria.

Especial Sitges 2010: 'Legend of the Fist: The Return of Chen Zhen'

(Jing mo fung wan: Chen Zhen. Andrew Lau. Hong Kong / China. 2010. 105 minutos) Si una de las máximas del cine es que toda buena película tiene que empezar con una explosión y después ir subiendo, Legend of the Fist es uno de los mejores ejemplos de que, a veces, es imposible seguir esa regla cuando la magnitud de la explosión inicial es demasiado grande: los primeros minutos de la película suponen los mejores que se han visto en el cine de acción en bastante tiempo, un chute de adrenalina y pura emoción cinética que dejaría en pañales a cualquier rival que intentara ponerse a su altura, pero resultan tan apabullantes que lo que viene después no puede hacer otra cosa que palidecer ante tan lustroso prólogo. Esto no sería un problema tan grave si no fuera porque el resto del largometraje está terriblemente descompensado. Las secuencias de artes marciales que aparecen a lo largo del metraje son tan apreciables y vistosas como cabe exigirle a Donnie Yen, incluyendo un clímax final que redondea el homenaje a la Furia Oriental de Bruce Lee y, de paso, sirve como continuación para la versión televisiva que Yen protagonizó de la misma en los noventa. Pero todo lo que rodea a las escenas de lucha padece de un acartonamiento desesperante, con una trama que se pierde entre el exceso de melodrama vergonzante y las reivindicaciones políticas de autoafirmación cultural china. En este caso, ni Shu Qi puede hacer nada por distraernos cuando lo que hay en medio de la acción es tan pobre e innecesariamente solemne.

'Ultra Force' / 'Ultra Force 2'

(Royal Warriors a.k.a. In the line of duty. David Chung. 1986. 96 min. / Yes, Madam a.k.a. In the line of duty 2. Corey Yuen. 1985. 93 min.) Antes de nada, y por si alguno de ustedes no ha leído nunca nada al respecto, sería conveniente aclarar el jaleo de títulos con los que se conoce esta serie de películas que en principio no tenían nada que ver y que, según pasaron los años, acabaron conformando una saga sin más cohesión que la nominal y la premisa de mostrar a aguerridas mujeres luchando contra mafiosos y maleantes. Conocida internacionalmente como In the line of duty, la serie de siete películas (que yo sepa) tuvo su origen en estos dos títulos que ocupan el post de hoy, los cuales no comparten personajes ni argumento (aunque sí actores) y, para colmo, no se estrenaron cronológicamente: el que conocemos como Ultra Force 2 es en realidad un año más viejo que el que se estrenó en el mercado internacional como Ultra Force 1. Para que nadie se líe, simplifiquemos: a partir de ahora llamaremos a ambas películas por sus verdaderos nombres: Royal Warriors (que sería Ultra Force) y Yes, Madam (la que conocimos como Ultra Force 2), que es en realidad, por orden cronológico y por contenido, la verdadera impulsora no sólo de la serie In the line of duty, sino también del subgénero de las femmes fatales made in HK (del que ya tuvimos un referente en el blog, la brutal Iron Angels 2). Fue tal el impacto del film protagonizado por Michelle Khan (ahora Yeoh) y Cynthia Rothrock (ahora olvidada) que los gerifaltes de la extinta D&B Films, en busca de una nueva battling babe con menos caché que recogiera el testigo, se buscaron a una bailarina formada tanto en jazz como en sevillanas llamada Li-Tsing Yang y la rebautizaron fundiendo los nombres de las protagonistas de Yes, Madam, dando como resultado esa belleza con piernas de acero que pasó a la historia como Cynthia Khan y que protagonizaría In the line of duty III (estrenada en España como Ultra Force 3) y todas las que vinieron después. Pero de ésta hablaremos quizá en otra ocasión.

Royal Warriors comienza de la peor forma imaginable: Michelle Khan de turista en Japón paseándose por un festival callejero o así en el que un montón de nipones disfrazados de los Beatles, de rockabillies y otras cosas hacen el ganso a mucha honra mientras una Khan con mayas blancas, chaqueta con hombreras y unas Ray-ban les echa fotos y baila al ritmo de una música horrible. Ya saben: nada más horteraochentero que el hongkonés ochentero, y más si va de excursión. Suerte que pronto empiezan las hostias: siguiendo uno de esos porquesíes que tanto nos gustan del cine de Hong Kong y que vienen en forma de escenas introductorias que a lo mejor tienen que ver con la trama posterior y a lo mejor no, pero que siempre sirven para presentarnos la acción, Michelle tarda menos de tres minutos en meterse en pelea y sacar a relucir su poderío con las piernas. Pero esto no es nada para lo que se nos viene encima, ya que poco después presenciamos una escena que podría ser el clímax de cualquier otra cinta de este tipo por su intensidad y espectacularidad , y que aquí aparece como un plato entrante que sirve para que lo tres protagonistas (Michelle, Hiroyuki Sanada y Michael Wong) se conozcan y conformen un improvisado trío de héroes a la fuerza (salvo Wong, que se encuentra muy a gusto en su papel de celebridad) que sufrirán un vuelco en sus vidas que derivará hacia el peligro, la muerte de alguno de ellos (o de sus familiares, y que conste que no les destripo nada que no se adivine a los 10 minutos de película) y la ulterior venganza explosiva. Esta secuencia, ambientada en un avión en pleno vuelo (aunque no da esa sensación en ningún momento), en la que los tres protagonistas actúan en equipo por primera vez para detener la intentona de secuestro de un par de delincuentes que estaban siendo trasladados a prisión de un país a otro, es uno de los mejores ejemplos de por qué uno ama el cine de acción de Hong Kong: todo es posible. Estos tres policías, ex-policía en el caso del japonés, no dudan en poner en riesgo a toda la tripulación con tal de evitar que los malos secuestren el avión, sin importarles que para ello tengan que iniciar un tiroteo en el interior de la aeronave (con la temeridad que eso supone) o hacer estallar una granada de mano que, por lo visto, al meterla en un armario lleno de latas de conserva no produce tanto daño, ni desequilibra el aparato ni nada. Pero qué sabré yo de aeronáutica... El caso es que la secuencia es cojonuda y acaba de manera violenta y creativa. Como casi he dicho antes, esto podría estar adornando el final de cualquier cinta de acción norteamericana, pero aquí sirve para presentar a los personajes. Michael (Wong) no tardará en tirarle los trastos a Michelle, con una frase de galán a lo Fabio Testi que impresiona: "Me gusta ayudar a las chicas bonitas", dice mientras le ayuda con el equipaje, para disgusto de las fans que no se sientan tan agraciadas físicamente como la Khan. Además ella le sigue el juego, iniciando un tira y afloja sexual que no llega a consumarse (intuyo) y que acaba de manera no muy placentera. Por su parte, Sanada es el mayor sufridor de la película al ver cómo su familia, con la que se acaba de reconciliar, vuela por los aires como consecuencia del affaire del avión, cuando un viejo amigo de uno de los secuestradores decide tomar el camino de la venganza, que es el único que entienden los personajes de este largometraje. Un poco de drama, algo de comedia y, sobre todo, acción, persecuciones y artes marciales es lo que se pueden encontrar en Royal Warriors, cuyo colofón es un clímax adornado con una motosierra, bombas, un ataúd suspendido en el aire por una grúa y una especie de 4 latas tuneado por el becario del departamento artístico de Mad Max 2.


Yes, Madam, nuestra Ultra Force 2, es aún mejor si cabe. Aunque lo que más llama la atención es que quienes llevan el peso de la trama son tres personajes de perfil cómico con nombres de medicamentos (alterados en la versión doblada), encarnados por Meng Hoi, John Sham y... atención, Tsui Hark, en lugar de por por las battling babes que se adueñan de las escenas de acción. Los tres se meten en un jaleo del quince cuando accidentalmente roban un microfilm, que contiene pruebas que podrían suponer el final de los días de gloria de un especulador peligroso (interpretado por un repelente James Tien que tiene en los letales Dick Wei y Chong Fat sus mejores cuerpos ejecutores). Cynthia Rothrock es una agente de Scotland Yard enviada a Hong Kong para ayudar a Michelle Khan en el caso del microfilm perdido. Siguiendo el tópico, al principio ambas mujeronas no encajarán demasiado bien, pero acabarán formando un deadly duo que brilla con todo su esplendor en la batalla final en la mansión de Tien, donde asistimos a un festival de stunts y coreografías impecables de los que te dejan con ganas de patearle el culo al primero que te mire mal por la calle, pero con estilo y gracia, eso que no falte. Llena de caras conocidas (algunas divertidas secuencias en las que unos avejentados Samo Hung, David Chiang y Richard Ng hacían de enfermos mentales fueron eliminadas del montaje estrenado en España), con una trama algo enrevesada que se sigue con interés en buena parte gracias a sus elementos cómicos, además de una larga serie de personajes con importancia en la historia que interactúan sin parar, Yes, Madam es un must que nadie interesado en estos temas debería dejar pasar. Más violenta y espectacular que Royal Warriors, aunque con un personaje menos agradecido para una Michelle Khan que prácticamente debutaba en un papel de peso y debía compartir protagonismo con demasiados rostros familiares para el fan del cine made in HK, la película cobra más valor aún cuando haciendo un poco de historia nos damos cuenta de su importancia para el devenir del cine de acción posterior que se filmó en la ex-colonia británica: 1985 fue el año que definió las bases de lo que se conocería como modern day action, gracias a los estrenos de la película que nos ocupa y la nunca demasiado recomendada Police Story de Jackie Chan, cinta que sería otra opción perfecta para acompañar a Yes, Madam en uno de estos programas dobles que les propongo desde The Blogthing (últimamente demasiado orientalizado, quizá). Todas ellas tienen además algo en común, una idea que habrá sido utilizada decenas de veces en las frases publicitarias de otras tantas películas, pero que nos sirve para cohesionar más si cabe las dos (o tres, si unimos la de Jackie) cintas de las que estamos hablando: para conseguir que se cumpla la justicia, el héroe debe estar fuera de la ley. Así, todos los protagonistas de los largometrajes citados deben cumplir un ritual antes de enfrentarse a sus enemigos con todas sus consecuencias, y este no es otro que abandonar voluntariamente (o casi) su posición de agentes de la ley, entregar sus placas y sus pistolas, para comenzar a repartir justicia de la buena, sin cortapisas burocráticas ni procedimientos penosamente lentos. En Yes, Madam, las valientes polis, hartas de que la legalidad les ponga zancadillas para llegar a derrocar al villano, deciden que para equilibrar la balanza y poder actuar con libertad y, ojo, efectividad, deben colocarse al mismo nivel que el de sus enemigos, convertirse en forajidas liberadas de los grilletes de la ley. Cine de justicieros de toda la vida, en definitiva, pero protagonizado por dos chicas guapas en lugar de por un señor mayor con bigote (sorry, Starman, you know I love you, bro).


Después de todo esto, y por si aún no les queda claro que estas son dos películas que deben ver sí o sí (y asumiendo por mi parte lo casi ridículo que resulta recomendar a estas alturas dos títulos que lo mismo ya se saben muchos de ustedes de memoria), les dejo con dos vídeos que quizá enseñen más de la cuenta, pero que me vienen extraordinariamente bien para subrayar todo lo que acaban de leer. Y después busquen, recuperen, disfruten... lo que toque en cada uno de ustedes.

'Exciting Dragon'

(Exciting Dragon / Drunken Dragon / Long fa wei. Chui Chung-hing. Hong Kong, 1985. 93 minutos) La carátula de esta película siempre estuvo entre mis favoritas cuando miraba aquellas videoguías (¿alguien más las recibía por correo?) repletas de posibilidades mentales: podía pasar horas mirando página por página e imaginándome la cantidad de cintas que me estaba perdiendo y que no llegaban a las estanterías de los videoclubes de mi pueblo. Pero desde la primera vez que le eché el ojo a esta película hasta el momento en el que la he visto han pasado nada menos que 17 añazos, algo que es una buena muestra de la cantidad de recuerdos inútiles que guardo en mi cabeza... y de lo poco a lo que aspiro cuando uno de mis retos personales es ver una película de kung fu de los años ochenta de la que sólo sabía que tenía una carátula bonica. Pero qué quieren, nunca fui demasiado ambicioso, nunca me gustó jugar al Populous ni a los Nosequé Tycoon. Pero centrémonos. Me decía John Tones una vez que Exciting Dragon era un pe-li-cu-lo-na-zo, tal cual. Y ahora que por fin la he visto, gracias a un montaje encontrado en la indispensable ZinemaHK.com, sólo me queda darle la razón.

Exciting Dragon es una de esas películas que pueden crear afición al más desconfiado de un género concreto, el de la comedia de artes marciales, que afortunadamente tiene vida más allá de Jackie Chan (y eso lo digo a pesar de ser muy fan de Jackie). También conocida como Drunken Dragon en sus ediciones anglosajonas, la cinta tiene como héroe - es un decir - a Doggy (Sun Kok Ming), un auténtico mequetrefe que no es bueno en nada, que vive con su abuela (a quien interpreta un habitual de la Shaw, Chao Kon Sen... y no, no me he equivocado de sexo) y que se reencuentra con una vieja amiga de su infancia con la que planea casarse, algo que le parecía buena idea hasta que descubre que la muchacha (Chow Me Yue) se ha convertido en una especie de Samo Hung con moños que reparte mucha más leña que él en los combates, detalle que le ayuda aún más a ser el hazmereír de sus paisanos.

Pero sentirse desdichado por culpa de una mujer más fuerte que él será una nimiedad comparado con el verdadero problema que vertebra la trama: su abuela carga con una armadura indispensable para que los malos de la función consigan abrir el cofre de metacrilato en el que se guarda una espada con poderes... o algo. Así que su deber será proteger a su abuela, pero para ello tendrá que despedirse de su futura esposa y abandonar su vida normal por unos días para trasladarse a casa de un viejo maestro que le ayude a perfeccionar su kung-fu (aunque a la hora de la verdad casi todo el entrenamiento consiste en picar piedra). Hasta ahí, normal. No es una premisa que nos pille por sorpresa y podía dar pie a una triste peliculita de hostias sin nada que destacar. Pero atención, porque hay detalles suficientes para recibir Exciting Dragon como una fiesta. El viejo sifu no es Simon Yuen ni alguien que intente imitar su docencia ebria, sino que tiene más que ver con el Doc de Regreso al futuro que con el Drunken Master y por ello posee una casa llena de gadgets absurdos y anacrónicos, como un telefonillo en la entrada o una tomavistas con forma de búho, además de enseñar técnicas de kung fu a un protagonista que duerme mediante la técnica de unos vasos comunicantes en forma de auriculares, a través de los que al alumno le llega la información que el maestro va leyendo (ya verán lo que ocurre cuando el sifu se confunde de libro...). En cuanto a los enemigos, aparte de los típicos tocapelotas dispersos por el metraje, tenemos a tres personajes que si tuvieran película propia se debería titular algo así como El Trío Loco del Kung Fu: el jefazo es un perturbado con aptitudes para el camuflaje (con caretas a lo Misión Imposible y todo) y un superguante extensible de acero con el que puede luchar a distancia, luego está un pirado que usa un diábolo con cuchillas como si fuera la guillotina voladora y, last but not least, un tipo con barba y cejas rojas y una vela en la cabeza que usa lo mismo como cuchilla que como, ay, lanzallamas (¿no tienen ganas de verla ya después de leer esto?). Pero si por separado son alucinantes, lo realmente im-pre-sio-nan-te es cuando juntos se alinean y forman el... ¡CUCHILLO VELOZ!

Exciting Dragon alcanza tales niveles de locura que su visionado se convierte en una experiencia plenamente satisfactoria e hilarante, sobre todo porque además de esas adorables insensateces la cinta funciona como comedia, tiene buenos combates y hasta algún arranque gore con desmembramientos varios. Elementos que tendrían que atraerles sí o sí. Así que si no la han visto, búsquenla. Si ya la vieron, recupérenla. En cualquier caso seguramente me lo agradecerán.

'Iron Angels 2'

(Iron Angels 2 / Tian shi xing dong II zhi huo feng jiao long. Teresa Woo. Hong Kong, 1988. 83 minutos). En ocasiones, cuando uno está hastiado de ver películas que sólo le dejan a medias y de las que podría haber prescindido de no ser por esa inquebrantable y persistente voluntad de ver TODO lo que se encuentre a su paso, necesita apostar sobre seguro y tirar de cintas que sabe que lo tendrían muy difícil para decepcionarle y que raramente le dejarán la sensación de haber perdido el tiempo, de malgastar 90 minutos de su vida en algo que a lo único que va a contribuir es a engordar su lista de películas visionadas. En esos momentos de querer reconciliarse con las ganas de ver cine, un servidor compra billete de primera clase para viajar a Hong Kong con el mando del vídeo (o el reproductor pertinente) y se planta en el meollo de la acción más trepidante y enriquecedora, la acción que Iron Angels 2 ofrece con alegría y conocimiento de causa.

Perteneciente de lleno al subgénero de las femme fatales según Hong Kong y secuela de una de las cintas que ayudaron a generar el fenómeno, Iron Angels 2 es una descarga de adrenalina total que, si bien a mitad de metraje pega un bajón fácilmente apreciable, tiene unos veinticinco minutos finales capaces de mantenerme en estado de euforia durante varios días seguidos. Con parte del reparto de la anterior (las deliciosas Moon Lee y Elaine Lui, junto al duro Alex Fong), ahora vemos que los personajes se toman unas vacaciones después de una arriesgada misión y el presupuesto no les da para más que para ir a Kuala Lumpur. Esto sería un aburrimiento si no fuera porque allí los tres personajes principales, Alex, Elaine y Mona (llamados igual que los actores que los interpretan, ya que en la copia que tengo Moon Lee aparece acreditada como Mona Lee) se encuentran con un viejo amigo de Alex. Se trata de Peter (Nathan Chan), un vividor que aparentemente ha hecho una fortuna creando un micropaís independiente en una isla de su propiedad dedicada a la explotación de todos los productos posibles que pueda sacar al enorme palmeral que posee. El tipo va de superior por la vida y encandila a Elaine, a quien le dolerá descubrir la verdad: Peter es un anarquista dispuesto a llevar a cabo una revolución que acabe con la influencia extranjera y, de paso, si las cosas salen bien, derrocar a otros gobiernos más lejanos para expandir su propuesta anticapitalista por el resto del planeta.... Pero Elaine no sufrirá tanto esta revelación como Alex o Marco (Gary Siu), un agente secreto que investigaba a Peter y que formaba un trío de amigos junto a éste y al protagonista.

De este modo, lo que comenzaba como una aventurilla ligera por parajes exóticos se acaba transformando en una ruidosa y salvaje experiencia con artes marciales, explosiones, tiroteos y guerrilleros cayendo como moscas en la jungla. Al trío protagonista se une a mitad de metraje otra battling babe, Kharina (Kharina Sa, que al parecer sólo hizo esta película y su continuación) y un par de malayos con cuchillos que saltan del helicóptero directamente a la copa de los árboles sin ningún tipo de seguridad. Según dicen en la peli, están acostumbrados a hacerlo a su modo (se ve que están todos los días tirándose de helicópteros...). Así que no nos alejamos nada del esquema tradicional de cine de acción de Hong Kong que tanto amo: un prólogo explosivo que poco o nada tiene que ver con el argumento (pero que viene a marcar el tono estilístico que tendrá el resto del relato), una serie de peripecias que no llevan a ninguna parte y que hacen avanzar el guión a trompicones, hasta que por fin aparece un objetivo claro a superar por los protagonistas, y una media hora final de infarto en la que el plomo y el fuego toman el mando para dejarse eclipsar únicamente por los stunts más locos que puedan imaginar (que no es que haya demasiados aquí, pero los que se pueden ver son más que eficientes).

Igual alguno de ustedes se hace esta pregunta: ¿qué diferencia a este tipo de cine de cualquier película de bajo presupuesto norteamericana ambientada en algún sitio como Camboya? Pues que aún cuando se acaban las balas y la dinamita empieza el verdadero plato fuerte: una serie de combates en los que, en este caso, Moon Lee y Alex Fong se llevan la palma (y no luchando entre ellos precisamente). Ahí tenéis a Moon Lee partiéndose la cara contra un guerrillero después de saltar de una torreta que acaba de explotar, atravesar un techo de paja y caer sobre unas cajas llenas de armamento. O a Fong enzarzado en una cruda lucha pasada por agua y sangre contra su antiguo amigo del alma al que ahora desea la muerte, en un combate donde la técnica marcial se transforma en marrulleo, en puro instinto de supervivencia. En fin, cualquier cosa que escriba no le hará justicia a estas escenas, así que vean el tráiler y se harán una idea. Espero que esta reseña haya servido para dos cosas: primero como invitación a los que no conocen este subgénero de las deadly china dolls armadas con material pesado para adentrarse en él, y segundo como recordatorio y revulsivo para los que ya saben de qué hablo. Si no es así, igual he perdido el tiempo, pero me habré dado el lujazo de hablarles sobre esta peli.

'Juego sucio'

(Infernal affairs / Mou gaan dou. Andrew Lau, Alan Mak. Hong Kong. 2002. 97 min.) ¿Cómo saber cuándo una película es realmente buena o, como mínimo, se encuentra por encima de la media? Muy sencillo: si gana con cada visionado, si cada vez que la ves aprecias más detalles, le sacas más jugo y se te hace incluso más entretenida que la primera vez que la disfrutaste, es que estás ante una película especial.

Infernal Affairs se ha estrenado en España directamente en DVD con el insulso título de Juego Sucio y con una fotografía de Elva Hsiao en la carátula que no corresponde a ninguna escena de la película (si clickáis aquí veréis la carátula del DVD internacional distribuido por Miramax, que es el que ha llegado también a nuestras tierras). Un modo tremendamente injusto de ofrecernos un largometraje más que notable, una de las producciones más importantes del último cine de Hong Kong, origen de una trilogía y objeto de remake por parte de Martin Scorsese bajo el título de The Departed.

Cuando llegue a las pantallas grandes de todo el mundo la cinta protagonizada por Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Martin Sheen, Mark Wahlberg, etc., se le alabarán infinidad de valores cinematográficos y se hablará de lo genial de su argumento. Apuesto a que muchos de los críticos que hablarán sobre The Departed no habrán visto Infernal Affairs ni les interesará lo más mínimo hacerlo (estos son los que no quieren enterarse de que el mejor cine que existe ahora mismo se hace en Oriente). Y están en su pleno derecho, claro, pero será otro ejemplo más de cómo la crítica mainstream menosprecia el cine proveniente de Hong Kong, mientras que sí que tiene en cuenta otras cinematografías como las de Corea del Sur y Japón, por ejemplo. El motivo está más o menos claro: el cine de la ex-colonia británica siempre se ha caracterizado por su voluntad de espectáculo y entretenimiento popular, sin más pretensión que la de divertir y epatar a la audiencia con su vistosidad, y eso parece estar penado por los que opinan que el cine (únicamente) debe ser Arte. Hablamos en general, claro, ya que en Hong Kong se dan todo tipo de géneros, pero si es famosa su filmografía es por el cine de acción. Si me permiten el atrevimiento, opino que allí se han filmado algunas de las mejores secuencias de acción de los últimos cuarenta años y que buena parte de los éxitos norteamericanos del género le deben bastante a los planteamientos cinematográficos de los cineastas hongkoneses (piensen en cintas como Matrix o X-Men y verán que detrás de cada escena de artes marciales hay un coreógrafo de Hong Kong). Pero el caso de Infernal Affairs, en cuanto a acción se refiere, es ciertamente particular: en contra de lo que nos tienen acostumbrados, aquí no se nos muestra un tiroteo hasta los sesenta minutos de proyección, y realmente es la única escena de este tipo en todo el filme. Por supuesto que en el resto de la película hay pistolas, persecuciones y asesinatos, pero aquí lo que importa es la mente torturada que hay detrás de cada bala y no el espectáculo balístico por sí mismo.

Si la anterior cinta del director Andrew Lau (no confundir con el protagonista, Andy Lau), The Storm Riders, me pareció algo agotadora debido al exceso de efectos visuales y de personajes, Infernal Affairs destaca precisamente por lo contrario: pocos personajes, casi todos con peso específico en la trama, y una total falta de artificios innecesarios (exceptuando unos trucos de montaje que comentaré después). Si gusta tanto esta cinta es porque la historia es buena y los personajes son atractivos. Tony Leung Chiu-wai interpreta a Chan, un policía infiltrado en una importante tríada de Hong Kong liderada por el carismático jefe Sam (el simpático Eric Tsang). Sam ve en Chan uno de sus hombres de confianza y, al saber que hay un topo entre su banda, le confía la misión de encontrarle. Por su parte, el propio Sam también tiene un hombre infiltrado en la policía: Lau (Andrew Lau), quien se convierte en uno de los más eficaces agentes del cuerpo y en estrecho colaborador del superior Wong (Anthony Wong), que es la única persona que sabe la verdadera identidad del infiltrado Chan. Como podéis ver, la película juega a enfrentar opuestos y a trazar los paralelismos que surgen entre personalidades en principio discordantes pero que, al fin y al cabo, no son más que los reflejos de sí mismos en una lucha constante entre lo que son de verdad y lo que deben aparentar. En los primeros minutos de la cinta, vemos cómo Chan y Lau conversan amigablemente en una tienda de aparatos de música: de no ser por el papel que cada uno juega en sus respectivos bandos, intuímos que quizá estos dos personajes podrían ser amigos.

Hay muchísimos detalles que ahondan en este aspecto de la trama, en la perversa dualidad de unos tipos que logran convertirse en los mejores de un campo al que no pertenecen y en el que constantemente están fingiendo. En un momento de la película, Chan le pregunta con una risa nerviosa a su psicóloga si cree que él es un hombre bueno o un hombre malo: está claro que, tras diez años fingiendo ser lo que no son, los protagonistas empiezan a dudar de qué papel juegan en realidad en sus peligrosas vidas. El concepto de identidad se esfuma tras la máscara del engaño y la imposibilidad de reflejar en público lo que uno siente. En este sentido, es excepcional ese plano en que Chan debe observar el cortejo fúnebre de un superior escondido en un callejón, saludando militarmente desde el anonimato, intentando recordar quién es en realidad aunque sea a escondidas. Por otro lado, Lau empieza a mostrarse muy cómodo en su papel de policía, incluso intenta llevar una vida normal de pareja con una joven escritora, pero los demonios internos no son buenos compañeros de viaje en la frenética travesía por encontrar su yo verdadero. Su novia intenta escribir una novela sobre un hombre con múltiples personalidades, pero llega un momento en que no logra avanzar porque no sabe si su protagonista es bueno o malo, del mismo modo que Chan y Lau ya no saben por cuál de los dos bandos definirse.

En Infernal Affairs no todo es blanco o negro, los personajes se mueven en una amplia escala de grises teñidos de rojo sangre, de dolor, de tristeza... y ver personajes con esta profundidad en un thriller de acción no es algo que ocurra a menudo. Pero, de cualquier modo, lo de "thriller de acción" no es más que una etiqueta, una parcela donde encuadrar esta película capaz de trascender las barreras genéricas y convertirse en esa obra especial que mencionaba al comienzo de este artículo. Así las cosas, surge una cuestión importante para los fans acérrimos del cine de Hong Kong: ¿puede un thriller con poca acción no resultar aburrido? La respuesta es un rotundo SÍ. Infernal Affairs no sólo no es aburrida, sino que es intensa y excitante sin tener que recurrir a set-pieces cada quince minutos. Además de lo interesante de la trama y la excepcional labor del reparto (ya veremos si los actores americanos logran alcanzar estas cotas de verosimilitud y carisma en el remake), es importante destacar los estupendos valores técnicos con los que cuenta el filme: la fotografía es exquisita, la música es vibrante, el diseño de producción minimalista y efectivo... pero son la dirección y el montaje los que ayudan sobremanera a que la atención del espectador se mantenga intacta aún en secuencias tan extensas como la de la redada inicial, unos veinte minutos de suspense prolongado en los que no existe acción en el sentido habitual que podamos pensar, pero que se siguen con tensión gracias a montajes paralelos y trucos como barridos frenéticos acompañados de rimbombantes efectos sonoros.

Es difícil seguir hablando de Infernal Affairs y no comentar su extraordinario final, así que me morderé la lengua y dejaré que seáis vosotros, con vuestros comentarios, los que continuéis esta reseña. Tan sólo añadir que se ha comparado esta cinta con Heat, de Michael Mann. Quizá es comprensible hacer este paralelismo debido a que ambas enfrentan en pantalla a dos astros de sus respectivas cinematografías, pero si en Heat uno podía dudar de si realmente compartieron escenario De Niro y Pacino, en Infernal Affairs no hay duda de que no hay lugar para los aires de estrella ni para los morbosos trucos de marketing: si uno ve los extras del dvd, puede comprobar cómo Andy Lau y Tony Leung compartieron incluso cabina de sonido para grabar el tema musical que acompaña los títulos de crédito finales. Por otro lado, y dejando de lado esta anécdota, lo que en Heat era frialdad y magnitud desmesurada, en Infernal Affairs es emoción y austeridad. No sé a ustedes, pero puestos a comparar, a un servidor la cinta que nos ocupa le parece una obra mucho más honesta y redonda que ese supuesto referente hollywoodiense que le quieren encasquetar.

Publicado originalmente en Natural High. Notas desde el futuro: De algún modo esta reseña marcó un punto de inflexión entre lo que venía escribiendo hasta entonces y lo que sería mi labor posterior. Empezando por el detalle de comenzar a tratarles de usted (reminiscencia de John Tones plenamente asumida), comenzaba aquí a envalentonarme y a expresar ideas que siempre he tenido pero que en un principio no me atrevía a hacer públicas: que Heat es excesivamente pocha y que la mayoría de críticos de medios generalistas siguen chupándole el culo a los autores a los que siguen considerando intocables a pesar de todo (y en este sentido, The Departed es una puta mierda al lado de Infernal Affairs, le pese a quien le pese).  

'Armas invencibles'

(Police Story / Ging chaat goo si. Jackie Chan. Hong Kong. 1985. 96 min.) Aquí estamos de nuevo ante una película de Jackie Chan y con la necesidad de aclarar la confusión de títulos con los que se ha conocido esta saga en España. La serie, cronológicamente, sería la siguiente (mencionaremos el título internacional para hacerlo más sencillo):

- Police Story (1985): la que nos ocupa y sobre la que hablaremos unos párrafos abajo. Se editó en España con el título Armas invencibles.

- Police Story 2 (1988): continuación directa del argumento de la primera entrega, con gran parte del reparto en el mismo papel. Conocida en España como, ejem, Superpolicía en apuros...

- Police Story 3 (1992): conocida internacionalmente como Supercop y con novedades, principalmente la incorporación de Michelle Yeoh como compañera de Chan.

- Police Story 4 (1996): conocida internacionalmente como Jackie Chan's First Strike y en España como Impacto Inminente, se trata de la más aburrida de la saga y prácticamente no tiene nada que ver con las anteriores, a pesar de que Chan interpreta al mismo personaje. Es lo más parecido que Jackie ha hecho nunca a una película de James Bond...

- New Police Story (2004): Tampoco tiene nada que ver con las anteriores, ni siquiera el papel de Chan es el mismo. Pero, al contrario de lo que se podría pensar, esta sí que merece la pena y ha supuesto el regreso por todo lo alto de Chan a la cinematografía de Hong Kong.

Y ahora, al meollo.

Police Story es una película esencial para el cine de acción de Hong Kong. Indispensable. Así como suena. Y, por tanto, todos los seguidores de este cine deberían verla por lo menos una vez en su vida, lo mismo que el fan del terror tiene que haber visto La matanza de Texas o el de ciencia ficción Blade Runner. Pero no sólo es una obra capital para el cine de la ex-colonia británica, sino para el cine de acción en general, de cualquier nacionalidad. En una de esas afortunadas ocasiones en la que una sola obra puede llegar a cambiar la industria, Jackie Chan consiguió con Police Story aunar en una comunión perfecta la comedia, el Kung-Fu y la acción policial, creando lo que luego se conoció como Modern-Day-Action y que tanta influencia tuvo, junto al Heroic Bloodshed, en el desarrollo de la cinematografía hongkonita en los años 80. Police Story es a la cinematografía de Hong Kong lo que puede ser Arma Letal a Hollywood, el inicio de una nueva etapa en un género que necesitaba aires frescos para salir adelante.

En 1985 Jackie Chan estrenaba una película rodada en Estados Unidos y en la que hacía un papel similar: el de policía que se ve obligado a enfrentarse a la mafia del narcotráfico. Su título era El Protector y supuso para Chan toda una decepción. Pero, ni corto ni perezoso, pudo hacer en Hong Kong justo lo que él quería y así nació Police Story, el inicio de la saga en la que interpreta a Chan Ka-kui (o Kevin Chan, según el viejo doblaje), un policía siempre dispuesto a hacer cumplir la ley hasta llegar al extremo, pero también con una sonrisa eterna en la cara (que se le fue borrando a medida que transcurrían las siguientes entregas y los problemas se hacían más serios).

Tras una redada en un poblado de chabolas, un capo de la droga y varios de sus hombres son capturados, incluyendo a su secretaria, Salina Fong (Brigitte Lin). Ésta es puesta en libertad con la condición de que declare contra su jefe, por lo cual Chan se ve obligado a custodiarla, lo que le traerá problemas con su novia May (una jovencísima Maggie Cheung) y se verá en más de un aprieto cuando Salina escapa y el mafioso queda en libertad.

La película tiene menos acción de la que uno podría esperar. Como ya ocurría en la comentada My lucky stars, casi toda se centra en el primer y el tercer acto, dejando la parte central para el enredo y la comedia de situación, en la que los chistes surgen por malentendidos y engaños de los personajes. Pero, al contrario de lo que comentábamos en aquella, aquí no hay lugar para la repetición de situaciones o el cansancio: las peripecias de Chan para hacer creer a Salina que realmente necesita su protección, el estátus de Ka-kui como policía estelar tras el éxito de su misión o las discusiones con May están tratadas con sentido del humor y no hacen que perdamos el interés en ningún momento, si bien el espectador más ávido de acción frenética lo podría pasar mal si únicamente espera encontrarse con eso en Police Story.

En cualquier caso, cuando llega la acción uno no puede hacer otra cosa que emocionarse. Ya los primeros quince minutos son sublimes: tras el tiroteo en el poblado, tenemos una persecución con los coches atravesando las chabolas colina abajo (sí, amigos, Michael Bay plagió esto en Bad Boys II), Chan se agarra con un paraguas a la ventanilla de un autobús (en homenaje a Charles Chaplin), desciende a pie y a toda velocidad una pendiente y finalmente detiene al autocar justo enfrente de sus narices tras apuntarle con su revólver (¿también os suena esto? No me extraña, lo copiaron en Tango & Cash).

Luego tenemos un par de peleas diseminadas por el metraje (con una labor de especialistas impresionante y dolorosa para el espectador) y, finalmente, en un centro comercial, llega la gran traca que hace que muchos vibremos al verla una y otra vez: una sucesión de coreografías perfectas, de cuerpos atravesando cristales y chocando contra el hierro... incluso hay una escena en la que Chan toma una motocicleta y atropella a uno de sus enemigos haciéndole atravesar una larga cristalera (esto también lo plagiaron en Hollywood: Rapid Fire)... sin olvidar el momento en que Chan (ya totalmente poseído por el ansia destructivo) se desliza sobre una barra de hierro atravesando guirnaldas de bombillas ante la mirada atónita de los que le rodean. En un rasgo muy característico de su cine, Jackie nos muestra la misma imagen desde varios puntos de vista, para que admiremos su locura en todo su esplendor. Esto, como ya ha dicho algún crítico, rompe toda narrativa convencional, pero tanto a Chan como a sus fans nos la trae al pairo: cuando Jackie da el todo por el todo, queremos verlo desde todos los ángulos posibles.

Publicado originalmente en Natural High. Notas desde el futuro: Police Story sigue siendo La Película de Jackie Chan, un espectáculo total al que amo y que debería ser objeto de devoción de cualquier fan del cine de acción, independientemente de donde venga. 

'La banda de los supercamorristas'

(My lucky stars / Fuk sing go jiu. Sammo Hung. Hong Kong. 1985. 92 min.) Antes de hacer un análisis de esta película, creo necesario hacer una serie de aclaraciones:

- En primer lugar, y a pesar de lo que su carátula nos pueda indicar, My lucky stars NO es una película de Jackie Chan en el sentido que todos podemos pensar. Aunque aparezca en el prólogo de la cinta y durante casi todo el clímax, su partición en esta cinta se reduce a menos de media hora en total. Así que los fans fatales de Jackie quizá se sientan decepcionados al verla.

- Aunque estén encabezando el reparto, los verdaderos protagonistas no son Jackie Chan (como dije antes), Yuen Biao y Samo Hung. Yuen Biao, de hecho, tiene aún menos protagonismo que Chan. Por su parte, Hung tiene más peso en la trama (y esto no es un chiste sobre su figura) y, además de dirigir, es uno de los cinco Lucky Stars a los que hace referencia el título original. El motivo de que se publicite esta cinta con estos tres nombres en cabeza responde a que, para los amantes del buen cine de artes marciales y la acción hongkonita, la reunión de estos tres amigos de la infancia (estudiaron juntos en la Ópera de Pekin) siempre es motivo de alegría e indicativo de diversión asegurada.

- El jaleo de títulos: se estrenó en España como La banda de los supercamorristas, intentando hacerla pasar como continuación de Los Supercamorristas, cuyo título original era Wheels on Meals y que no tenía nada que ver argumentalmente con la saga de los Lucky Stars, aunque sí estaba protagonizada (al 100%) por el trío Chan-Biao-Hung (¡rodada en Barcelona y con Pepe Shancho haciendo de malo!).

- En realidad, My lucky stars es la segunda entrega de la saga comenzada con Winners & Sinners, que consta de siete títulos, en tres de los cuales aparecían Chan, Hung y Biao (o Yuen, porque realmente Yuen es el apellido y Biao el nombre de pila). De estas siete películas, sólo la segunda (la que nos ocupa) y la tercera llegaron a España, esta última con el título El regreso de los supercamorristas, lo cual no hacía más que contribuir a agrandar la confusión.

Y después del lío de títulos y falsas secuelas, vayamos al grano. My lucky stars es una película sandwich: el relleno de este divertido bocadillo es una comedia clásica cantonesa protagonizada por cinco ex-delincuentes que se ven obligados a ayudar a la policía, mientras que las dos rebanadas de pan son un prólogo y un clímax repletos de acción y coreografías de impacto, sin abandonar del todo el sentido del humor. Y esa división es lo peor de la película, ya que parecen pertenecer a dos obras totalmente distintas.

Al comienzo de la cinta, vemos a Jackie Chan y Yuen Biao en una misión en Tokyo. Después de una (excelente) persecución automovilística y un enfrentamiento con ninjas en un parque de atracciones, Yuen es secuestrado. Entonces comienza la otra película, en la que Chan pide ayuda a sus amigos del orfanato, cinco chiflados que, salvo uno de ellos, fueron los protagonistas de Winners & Sinners, donde Chan aparecía aún menos que aquí. El protagonismo pasa entonces a este grupo, los Lucky Stars del título, quienes deberán contar con la supervisión de la inspectora Woo (Sibelle Hu) para viajar a Tokyo y ayudar a Chan a rescatar a Yuen.

Si alguien quiere ir al grano y disfrutar de la acción, será mejor que se olvide de todo el segundo acto del largometraje. El hecho de que Hung, como director, quiera dar relevancia a todos sus compañeros además de a él mismo, hace que la cinta se detenga en la presentación de cada uno de estos personajes. Si uno se mentaliza y acepta que lo que está viendo es una comedia quizá pueda sacarle partido. Desde luego, los personajes no tienen desperdicio, cada cual más alocado, aunque se llevan la palma Sandy (Richard Ng) y Blockhead (Eric Tsang). A Sandy le sacan de un manicomio y está empeñado en que puede hacer que las cosas sucedan mediante el poder de su mente, por lo que va a todos lados con un libro de telekinesis. Por su parte, Blockhead es el más inocente de todos, con una voz casi de niño que se pierde en la versión doblada de la película. Samo Hung (que es el jefe de estos cinco "héroes") se extiende a la hora de mostrar las ocurrencias de los protagonistas, por lo cual cada chiste que aparece tiene cuatro réplicas más, de tal modo que los cinco actores del grupo puedan lucirse. Esto hace que la acción se ralentice demasiado en ocasiones, como en una escena en la que los cinco se disfrazan de ninjas que pretenden secuestrar a la inspectora Woo. En cada ocasión, uno de ellos aparece en pijama para rescatar a la joven y los demás le atan al cuerpo de la muchacha, de tal manera que todos se van rotando hasta que han conseguido estar unos minutos abrazados a la chica por la que babean. Una escena al más puro estilo "erótico-festivo-infantil" al que nos tenía acostumbrado el cómico Benny Hill, con toda su inocencia y picardía al mismo tiempo.

Aunque el espectador pueda sentir simpatía por los protagonistas y sus payasadas, la verdad es que después de un rato el esquema llega a cansar. Por lo cual el clímax, con varias peleas simultáneas en las que participa todo el reparto, es recibido con vítores por el respetable. Destacar el enfrentamiento entre Sibelle Hu y la culturista y karateka japonesa Michiko Nishiwaki, todo un regalo para los fans de las "deadly dolls" orientales, así como la secuencia de Jackie Chan en una casa del terror del parque de atracciones, donde transcurren las escenas más imaginativas de toda la cinta.

Y así, con la sensación de haber pasado un rato agradable, la función llega a su fin y uno piensa "no ha sido gran cosa pero al menos me he divertido". My lucky stars no pretende más que eso, y buscarle algo más es pedirle peras al olmo.

Publicado originalmente en Natural High. Notas desde el futuro: Este es uno de los casos en los que el exceso de información previo a la crítica no procede de ningún intento de hacerme el listo, sino realmente de intentar aportar algo de claridad sobre un tema con el que existe cierta confusión. Ahora lo habría arreglado con un enlace (hacia esto, por ejemplo) y me habría centrado exclusivamente en reseñar la película en sí.